La situation mise en place par Alexandre Payne, Jim Rash et Nat Faxon dans leur scenario, adapté du premier roman de l’Hawaienne Kaui Hart Hemmings (qui s’offre un petit rôle au passage dans le film) joue sans détour la carte de la tension dramatique. Le héros, Matt King (George Clooney) est un père de famille, sans véritable soucis, qui va subitement connaître une suite d’événements tragiques qui vont transformer sa vie et la vision qu’il a du léger, de l’important, ou du grave… The Descendants tend à montrer le héros du film comme un homme simple, commun. Son attitude de père de famille maladroit et de mari trompé, son attachement à ses terres et à ses origines (son hésitation à vendre une parcelle de l’héritage familial) et son comportement simple, opposé aux clichés de l’opinion publique sur les hommes riches, font du héros un personnages proche du spectateur lambda. Le confronter au deuil et à l’infidélité enfonce le clou : Matt King est définitivement proche du quidam. Voilà pourtant un cumul de situations au potentiel dramatique bien trop artificiel et scénarisé pour ne pas souffrir d’un manque de réalisme et d’ancrage dans la réalité. Ces accents de pathos sont contrebalancés habilement par un climat d’humour et de détachement.  Alexander Payne  est doué: il réussit à faire croire au caractère universel du drame de King, où l’idée que la peine et les difficultés sont le lot de tous… Un tour de passe-passe qu’il avait déjà su mettre en œuvre dans ses précédents opus: faire croire à une situation réaliste, alors même que tous les tenants du film sont construits de toutes pièces, sans subtilité, de telle sorte que le spectateur se laisse embarquer dans ce qui pourrait être compris comme une malhonnêteté…

George Clooney trouve dans The Descendants un rôle sensible, dans lequel il peut exprimer une certaine délicatesse et son véritable potentiel émotionnel: il incarne un homme parfois perdu, en reconstruction et qui affronte avec dignité les drames qu’il rencontre… Le film repose presque entièrement sur George Clooney, présent dans quasiment toutes les scènes: certaines sont absolument bouleversantes (une émotion encore habilement amenée par Payne, qui encadre les scènes émouvantes de traits d’humour qui replongent ainsi brutalement le spectateur dans l’émoi…)

Pourtant, si le spectateur refuse de chercher derrière le produit les ficelles qui l’amènent à ce trouble et cet ébranlement émotionnel, il passera l’intégralité du film à vivre pleinement les différents états dans lesquels Alexander Payne réussit talentueusement à le placer… On rit parfois de bon coeur (des situations cocasses ou franchement comiques), on plonge dans une tristesse franche (des scènes d’une sincérité troublante). Dommage alors que l’émotion soit si construite et ne naisse pas d’une situation plus simple, plus authentique, The Descendants aurait alors gagné en loyauté et en vérité…

Rick Panegy

Bande-Annonce du film The Descendants (2011) d’Alexandre Payne

]]> http://ricketpick.wordpress.com/2012/02/23/film-critique-the-descendants-dalexander-payne-humanisme-malhonnete-ou-emotion-universelle/feed/ 2 the descendants 1 ricketpick The descendants affiche the descendants the descendants 3 noterick 1.5 / 5 notepick 2.5 / 5 http://ricketpick.wordpress.com/2012/02/22/comedie-musicale-critique-avenue-q-drolement-creux/ http://ricketpick.wordpress.com/2012/02/22/comedie-musicale-critique-avenue-q-drolement-creux/#comments Wed, 22 Feb 2012 18:04:48 +0000 Rick et Pick http://ricketpick.wordpress.com/?p=2589 Lire la suite]]> La comédie musicale américaine irrévérencieuse Avenue Q vient de poser ses valises en France avec ses marionnettes à Bobino  dans une version française traduite par Bruno Gaccio (Les Guignols de l’Info). Même si  elle demeure originale grâce à ses marionnettes tenues par les acteurs qui les interprètent et que certains gags sont assez drôles, le côté politiquement incorrect de cette comédie musicale, déjantée et déconseillée à un jeune public, semble noyée dans ses propres stéréotypes et un format ultra classique.

Le jeune Princeton, qui vient de quitter son cocon familial, débarque sans logement et sans travail, sur une fictive avenue pauvre de New York qu’on imagine bien loin du centre-ville de Manhattan, l’Avenue Q. Il y fera la rencontre d’une joyeuse bande d’amis, chacun un peu raté à sa manière, composée de marionnettes comme lui, de montres et d’humains. Bercé par ses illusions et ses rêves d’enfant, il va très vite découvrir la difficulté du passage à l’âge adulte et devoir se trouver, non sans mal, un but dans la vie.

Née en 2003 aux Etats-Unis, Avenue Q a d’abord débuté sa brillante carrière à New-York sur les planches Off-Broadway. Le succès est tel que, la même année, la production sera déplacée directement à Broadway et gagnera 3 Tony Awards (l’équivalent de la cérémonie des Molières en France) dont celui de meilleure comédie musicale. Même si depuis 2009, la production new-yorkaise est retournée sur les planches Off-Broadway, elle se place 21ème dans le classement des comédies musicales jouées le plus longtemps dans l’histoire de Broadway. Une consécration prolongée à Las Vegas, le quartier West-End de Londres et de nombreuses productions internationales dont celle traduite en français et qui vient tout juste d’atterrir à Paris au théâtre Bobino. Une belle carrière qui semble loin d’être terminée pour une comédie musicale impertinente et, au premier abord, difficile d’accès avec ses marionnettes et leurs acteurs dont il faut savoir faire abstraction.

On notera que les performances des marionnettistes/chanteurs principaux sont assez remarquables. Ils sont visibles sur scène alors qu’ils donnent vie et voix aux marionnettes qu’ils actionnent, jouant chacun plusieurs personnages et pas toujours ceux qu’ils tiennent en main. La troupe française est composée d’acteurs qui alternent selon les soirs. Nous avons eu la chance de voir une représentation avec les très talentueux Prisca Demarez (Cabaret) dans les rôles de Kate Monster et Lucy la Salope et Emmanuel Suarez dans les rôles de Princeton et Rod. Selon certaines sources ayant eu la possibilité de comparer, il semblerait que Prisca Demarez s’en sort beaucoup mieux que Shirel (la fille de Jean Manson) , avec qui elle alterne son rôle.

La version française d’Avenue Q reste très fidèle à la version anglo-saxonne. Mêmes décors (Jean-Michel Adam) et mise en scène  de Dominique Guillo (Megalopolis) quasi identique à l’originale. C’est avec plaisir qu’on retrouve un vrai orchestre live sur scène pour la musique, chose trop rare dans les comédies musicales en France. Les textes ne souffrent pas d’une mauvaise traduction. Bruno Gaccio a su relativement bien adapter l’humour et les nombreuses références américaines pour un public français. D’ailleurs, une grande partie du public rit beaucoup tout au long du spectacle. Cependant, la référence principale à l’émission américaine pour enfants 1 rue Sésame (Sesame Street), véritable institution outre-atlantique qui dure depuis plus de 40 ans, ne doit pas être perçue de tous au théâtre Bobino (la version française de l’émission n’a été diffusée en France que dans la deuxième moitié des années 70). Il faut savoir qu’Avenue Q a d’abord été pensée par Robert Lopez, Jeff Marx et Jeff Whitty comme une série télévisée avant de devenir une comédie musicale. En plus d’un décor quasi identique à celui de l’émission éducative américaine, qui mêlait déjà en chanson des humains aux fabuleuses marionnettes de Jim Henson (Le Muppet Show, Fraggle Rock, Dark Crystal,…), on retrouve, dans Avenue Q, quelques personnages de Sesame Street. Par exemple, Trekkie Monster, le monstre obsédé sexuel qui  passe son temps sur Internet, fait clairement référence au personnage Macaron le Glouton (Cookie Monster en anglais), le monstre obsédé par les cookies. Les colocataires, Rod et Nicky, ressemblent tant par la voix que par l’aspect, aux colocataires de Sesame Street, Burt et Ernie (Bart et Ernest en français), soupçonnés depuis des années par le public américain d’entretenir une relation homosexuelle. Quand Rod, dans Avenue Q, fait son coming-out, le clin d’œil risque de ne pas être compris par tout le monde en France.

Parodie d’une série TV éducative, chaque chanson de cette comédie musicale irrévérencieuse pour adultes se veut donc être une petite leçon amorale et subversive pour bousculer les idées reçues d’un public américain puritain et politiquement correct. Mais, en France, l’effet de ces chansons est sensiblement moins choquant voire banal. Outre les chansons qui correspondent à la narration  propre de la petite histoire qui nous est contée, Avenue Q nous parle beaucoup de sexe (ultime tabou aux USA): Internet c’est pour le cul !, Moi je peux te faire du bien, Tu peux te lâcher autant que tu veux (quand tu t’envoies en l’air), Ma copine qui vit au Canada… Ainsi, les marionnettes, parfois nues, simulent sur scène quelques positions sexuelles, de quoi faire tressaillir le public américain mais qui ne fera, en France, au mieux, que faire rire les amateurs de ce genre d’humour parfois vulgaire. S’ajoute à cela, quelques leçons de morale branchées: Si t’étais pédé (Il faut accepter les homosexuels), Tout le monde est titi peu raciste (les petites blagues racistes sont permises), Schadenfreude (assumons que parfois nous aimons voir plus malheureux que nous) pour finir sur une “grande” et “belle” messe: la vie est finalement bien plus supportable si l’on s’aime et que l’on s’aide les uns les autres. Sous ses airs provocateurs, cette comédie musicale à la structure et à la musique ultra classique, n’est donc qu’une leçon stéréotypée de plus sur le bonheur, une accumulation de poncifs conventionnels.

Avenur Q se joue à Paris au Théâtre Bobino jusqu’au 1er avril 2012

Philip Pick

Regardez le spot publicitaire pour Avenue Q à Bobino

Après l’extraordinaire Morse (2008), le réalisateur suédois Tomas Alfredson, s’essaye avec brio au film d’espionnage, réhabilitant avec maîtrise et autorité le genre, lui conférant l’ambiance et l’élégance des films d’espionnage des années 60 et 70. Cette adaptation du roman Tinker Tailor Soldier Spy (1974) de John Le Carré possède la force des œuvres documentées, crédibles, qui entretiennent avec le spectateur une relation de fascination : le parcours de Le Carré, ayant lui-même travaillé au sein du MI6 (les services de renseignements extérieurs du Royaume-Uni), impose à l’œuvre une légitimité incontestable. Le film, dont la réalisation flirte avec l’obsession d’un esthète, propose une intrigue simple mais percutante: une “taupe” est infiltrée au sein des services de renseignements britanniques (“The Circus“). Après que Control (un charismatique John Hurt) fut écarté de la tête du MI6, son lieutenant Smiley (formidable Gary Oldman, qui trouve là l’un de ses meilleurs rôles) mène l’enquête pour retrouver l’agent double, qui opère pour les Soviétiques. Cette “taupe” est probablement l’un des cinq membres du bureau qui entourait Control… Smiley lui-même n’est pas hors de cause… Dans une atmosphère pesante, emprunte de manipulations, de méfiance et de défiance, La Taupe embarque le spectateur dans un long labyrinthe aux cadres sublimes, aux charmes sans-pareils d’une élégance britannique à laquelle se mêlerait la menace de la trahison…

Tinker Tailor Soldier Spy, le roman de John Le Carré, fait partie de la trilogie dite “Karla”, retraçant les aventures du héros Smiley, cet agent vieillissant du MI6, aux valeurs solides.  Ce premier opus, ainsi que le troisième (Smiley’s people, 1980) avaient déjà été adaptés: il en était née une série télévisée, en 1979, qui connut un succès véritable outre-manche. C’est Alec Guinness qui tenait le rôle du mystérieux Smiley. Gary Oldman, aujourd’hui, offre une composition à la hauteur de son illustre prédécesseur: son personnage, taciturne, élégant et calme, trouble puis ébranle, par la distance qu’il impose naturellement à ses interlocuteurs, ses lunettes cachant à peine un regard franc et puissant, au travers duquel on peut lire des années d’expérience et d’observation… Le reste du casting, tout aussi juste et percutant, est composé d’une multitude d’acteurs sobres et talentueux (Colin Firth, Toby Jones, Mark Strong ou Tom Hardy…) ne s’enfonçant jamais dans un jeu excessif, et laissant à chacun des autres protagonistes une place importante, comme pour mieux laisser planer le doute et la suspicion sur la culpabilité des personnages qu’ils incarnent. En cela, la direction d’acteurs d’Alfredson et le scenario de  Peter Straughan et de Bridget O’Connor, adoubés par Le Carré, sont parfaitement admirables.

La photographie de Hoyte Von Hoytema (ayant déjà travaillé sur Morse) filtre les ambiances contemporaines et festives en procurant au film, grâce à des tons sombres, monochromes, contrastés par moments par une lumière qui mettra les éléments des 70′s en avant (bien aidé en cela par le formidable travail de Jacqueline Durran aux costumes et celui plus impressionnant encore de Maria Djurkovic aux décors). Les plans et les cadres choisis par Alfredson, presque virtuose, offre au film une impression de maitrise et de rigueur, répondant ainsi efficacement à l’austérité du MI6 et aux échos de sévérité de la guerre froide, en toile de fond. Enfin, la musique d’Alberto Iglesias, lourde et pesante, frôlant par moment l’angoisse, contribue à la réussite technique collective. Les scénaristes sont d’ailleurs nommés aux Oscars, après avoir remporté un BAFTA à Londres. Iglesias et Oldlman sont eux-aussi nommés aux Oscars (Le film a cumulé 9 nominations aux BAFTA, et y a, outre le meilleur scénario, remporté le prix du meilleur film britannique)

L’intrigue, peu complexe, prend le temps de se développer, de se délier, de se perdre au grès des paranoïas et des manipulations ; et au fur et à mesure que Smiley manœuvre, approchant de l’aboutissement, son personnage s’étoffe, prend du volume et finira par s’imposer au-delà des espérances du spectateur. Gary Oldman, tout en retenue, donne la preuve supplémentaire de l’étendue de son talent, qu’une carrière jalonnée de mauvais choix a peut-être parfois desservi…

Tinker Tailor Soldier Spy (le surnom des quatre membres du bureau, sur lesquels enquête Smiley) est un film d’espionnage sophistiqué, à la réalisation et à la mise en scène ambitieuses (que certains trouveront sans doute trop appuyées), avec un plateau d’acteurs offrant tous d’excellentes performances. Il renoue avec le film d’espionnage pur, auquel nulle surenchère d’action n’est nécessaire (l’autre espion britannique, James Bond, est l’antithèse de ce Smiley). L’adaptation des suites de la trilogie Karla de John Le Carré est envisageable, à condition qu’on en conserve, comme dans ce très bon La Taupe, le charme et l’ambiance. Qu’on conserve aussi ce bon vieux Smiley/Oldman….

Rick Panegy

Bande Annonce de La Taupe (Tinker Tailor Soldier Spy – 2011) de Tomas Alfredson

]]> http://ricketpick.wordpress.com/2012/02/20/film-critique-la-taupe-de-tomas-alfredson-plongee-esthetique-dans-les-meandres-de-lespionnage/feed/ 0 T ricketpick La-Taupe-Affiche La taupe 3 La taupe 2 noterick 3.5 / 5 notepick 3.5 / 5 http://ricketpick.wordpress.com/2012/02/10/film-critique-j-edgar-de-clint-eastwood-biopic-fantasme/ http://ricketpick.wordpress.com/2012/02/10/film-critique-j-edgar-de-clint-eastwood-biopic-fantasme/#comments Thu, 09 Feb 2012 22:23:48 +0000 Rick et Pick http://ricketpick.wordpress.com/?p=2497 Lire la suite]]> Avec J. Edgar, le prolifique Clint Eastwood décide de s’attaquer cette année à l’un des personnages politique les plus influants du 20ème siècle aux États Unis: J. Edgar Hoover, patron du FBI sous huit présidents. Un rôle complexe brillamment interprété par Leonardo Dicaprio. Eastwood met en scène avec efficacité le portrait d’un homme  puissant et redouté, qui a toujours su rester très discret sur sa vie privée. Mais avec ce biopic psychologique, ambigu et sombre, sur fond d’histoire d’amour homosexuelle, le réalisateur semble fantasmer la vie privée et incertaine d’un homme de pouvoir.

Le film s’ouvre à la fin des années soixante, sous la présidence de Lyndon B. Johnson, sur un J. Edgar Hoover très âgé et toujours à la tête du FBI, dictant son impressionnante ascension à un jeune biographe. S’entrelacent alors des flashbacks où le jeune Hoover, à la fois déterminé et étouffé par sa mère (Judi Dench), débute sa carrière au sein de Bureau of Investigation après avoir quitté le Département de la justice. Il y gravit les échelons jusqu’à en devenir le directeur pour le transformer, sous la présidence de Franklin D. Roosevelt, en FBI (Federal Bureau of Investigations). Manipulateur et craint (il construit des dossiers secrets sur toutes les personnalités importantes du pays pour préserver son pouvoir), il sait conserver, pour le reste de sa vie, l’un des postes les plus puissant du pays. Mais un jour, Hoover croise le chemin du beau Clyde Tolson (Armie Hammer) qu’il nommera directeur adjoint du FBI. C’est alors que naît entre les deux hommes une relation ambigüe, entre amitié fraternelle et désirs refoulés. Inséparables, ils prennent tous leurs repas ensemble, sortent dans les clubs et partent en vacances. Clyde sera le fidèle compagnon de Hoover jusque dans leurs vieux jours.

Le scénariste Dustin Lance Black (scénariste du film Harvey Milk) dépeint avec exactitude certaines grandes étapes connues de la vie du directeur du FBI: son père fou, sa relation avec sa mère, sa fidèle secrétaire de toujours Helen Gandy (Naomi Watts) qui détruira tous ses dossiers secrets à sa mort, sa passion d’ancien bibliothécaire du Congrès qui lui servira pour indexer les grands criminels, sa refonte du FBI et sa foi pour des enquêtes d’investigations scientifiques… On croise rapidement de nombreuses personnalités importantes qui ont jalonné la vie de Hoover: Eisenhower, Roosevelt, Robert Kennedy (Jeffrey Donovan), Charles Lindberg (Josh Lucas), Richard Nixon (Christopher Shyer), Shirley Temple, Ginger Rogers, et Lucile Ball. Mais c’est tout de même cette histoire d’amour homosexuelle entre Hoover et Clyde Tolson qui, au final, prend toute la place de ce biopic au détriment de la vie publique, pourtant passionnante, du personnage principal.

En réalité on ne connait que quelques éléments sur la relation entre Hoover et Tolson qui, déjà à l’époque, déchainaient les rumeurs les plus “folles”. Les deux hommes passaient tout leur temps ensemble: au bureau, dans les clubs et en vacances. Certes, à la mort de Hoover en 1972, lors de funérailles nationales, le drapeau américain qui ornait son cercueil a été remis à Clyde Tolson (une tradition normalement réservée à l’épouse du défunt) qui héritera et emménagera dans la maison de l’ancien directeur du FBI. Basée sur ces quelques éléments factuels (qui n’apparaissent dans le film qu’au générique de fin) et surtout sur les nombreuses rumeurs au sujet des deux hommes, le reste de leur relation montrée à l’écran n’est que  pure supposition: crises de jalousies, disputes, baisers volés, gestes de tendresse, le “je t’aime”, etc. Même la partie qui couvre la relation forte qu’entretenait J. Edgar Hoover avec sa mère, qu’on sait très stricte à son égard, est romancée. La scène où il commence à lui avouer son homosexualité ou bien celle ultra-stéréotypée où il se déguise avec sa robe le jour de sa mort ne sont que le fruit de l’imagination du scénariste basé en partie sur une rumeur qu’Hoover s’adonnait au travestissement. Dustin Lance Black, avec ce scénario, fantasme totalement cette histoire d’amour frustrée entre deux hommes. Cette personnalité tant redoutée qui refoulait ses sentiments est un terrain de jeu fantastique pour Clint Eastwood qui semble avoir voulu réaliser, sur fond de politique et de psychologie complexe et sombre, son propre Brokeback Mountain.

L’histoire d’amour, en elle même, est des plus romantiques: les deux hommes s’aiment dans le plus grand secret et vont vivre jusqu’à leur mort sans jamais se séparer mais pourtant sans jamais concrétiser leurs désirs. D’autant plus que si l’on attribue cette histoire à une personnalité réelle aussi secrète qu’Hoover, le sentiment voyeuriste qu’elle procure en décuple sa force. Leonardo Dicaprio et Armie Hammer interprètent tout deux avec beaucoup de finesse cette passion refoulée. Dommage que Clint Eastwood, qui compose lui même sa musique, en rajoute dans le sentimentalisme exacerbé durant les scènes finales entre les deux vieux compagnons. Les grands romantiques devraient cependant y trouver leur compte.

Le problème, c’est que bon nombre de spectateurs risquent de ne pas comprendre qu’il s’agit d’un fantasme projeté sur une personnalité secrète et pourront penser que ce biopic met la lumière sur une vérité cachée par le premier directeur du FBI.

Ce thème du travestissement de la réalité est pourtant bien présent tout au long du film. Hoover, qui conte son histoire à un jeune biographe transforme lui même la réalité en l’améliorant. A la fin du film, Clyde Tolson révèle aux spectateurs la supercherie à laquelle ils viennent d’assister. Les arrestations des grands bandits par le patron du FBI en personne étaient souvent mises en scène. Il en est de même des histoires qu’Hoover ventait aux scénaristes de comics et de films de l’époque pour donner une image de super-héros moderne aux agents du FBI, devenus un véritable phénomène de mode.

Au delà d’une personnalité complexe qui préservait sa vie privée et qui usait de tous les moyens, même illégaux, pour découvrir les secrets des autres, Clint Eastwood dépeint un pays qui n’a de cesse de s’inventer. Après avoir rêvé pendant de nombreuses années sur le personnage du cowboy, les États-Unis fantasment sur le FBI. Malheureusement avec ce film, Eastwood qui semble révéler au grand jour quelques vérités, ne fait lui même qu’extrapoler sur un grand héros de l’histoire de son pays.

Philip Pick

Regardez la bande-annonce de J. Edgar (2012) de Clint Eastwood

Alan Gilbert, nouvelle figure à la tête du New York Philharmonic, et pendant longtemps chef principal de l’orchestre philharmonique Royal de Stockholm, dirige avec énergie et volonté, sans pour autant déborder de passion, comme son homologue Gustavo Dudamel, et avec rigueur et fermeté, sans atteindre l’extrémisme de Sir Colin Davis, par exemple.

La première partie du concert est difficile d’accès: une œuvre contemporaine pour commencer, avec Feria de Magnus Lindberg: pendant 17 minutes, l’orchestre peine à rendre sympathique cette composition qui n’a de “feria” que le titre: les fêtes de rue espagnoles ont ici l’air bien lugubres ou inquiétantes. Seul le passage central, un peu plus mélodique, semble apporter un brin d’humanité à cette composition très pesante…

Par chance, cela ne dure qu’un bon quart d’heure… Avant l’entracte, on attend Lang Lang. Ce dernier, qui n’en finit pas de laisser sa modestie au placard, s’adonne aux plaisirs du vedettariat : il savoure les applaudissements démesurés qui l’accueillent et ne sait que trop bien qu’il récoltera, quoi qu’il fasse, une ovation à la fin de l’œuvre…  Nul besoin d’être prophète pour le deviner: c’est en effet de longs et appuyés applaudissements qui éclatent dès la dernière note du concerto pour piano N°2 de Bartok achevée. Alan Gilbert et Lang Lang, qui semblent s’apprécier, s’inclinent, saluent, sortent et rentrent, pendant que les musiciens attendent la fin du show de la star  illégitime du piano (qu’ils ont dû voir maintes fois). Le public, lui, est aux anges: il donne l’impression de ne jamais avoir écouté Argerich par exemple, ou Rubinstein, Horowitz, Kempf ou même Gould… Il doit davantage se gaver des multiples CD de Lang Lang, voir même de ceux d’Hélène Grimaud… Sévère ? Probablement un peu trop mais comment apprécier ce piano mécanique et appuyé de cet artiste qui favorise davantage le show et la mise en scène de son propre (soi-disant) talent au détriment d’une réelle émotion et d’une sensibilité vraie…

Certes, le jeune musicien est doué: il est capable de jouer toutes les partitions les plus compliquées et les plus exigeantes. Le concerto pour piano N°2 de Bartok, comme toute l’œuvre du musicien hongrois (1881 – 1945), est d’une rare complexité et d’une extrême rigueur… Le pianiste virtuose chinois sait choisir ce qui le rendra encore plus merveilleux auprès d’un public déjà naïvement épaté par sa technique…

Le concerto en lui-même est difficile d’accès, d’essence presque géométrique. Le premier mouvement, où seuls les vents et quelques percussions s’expriment, laissent surtout le piano exalter de vertigineux enchainements. L’entame lente et inquiétante du second mouvement contraste avec l’énergie virevoltante du premier mouvement. Le piano seul, avec la timbale en fond sonore, plonge presque le spectateur dans une hypnose que la fin du mouvement viendra bouleverser avec l’arrivée de quelques cordes timides (en pizzicati) et l’accélération du tempo. Le dernier mouvement, allegro molto, alterne fougue du piano et réponses vives de tout l’orchestre. Une dernière phrase des trompettes annonce la fin, rapide, presque étonnamment joyeuse et sautillante…

Lang Lang est ovationné, encore… Mais c’est probablement Bela Bartok que le public applaudit, pour avoir composé une œuvre si dense, où le pianiste a probablement plus de notes à jouer que dans l’œuvre entière d’Erik Satie. Pour satisfaire les groupies, Lang Lang offre en “bis“, la Romance de Liszt.

Entracte (une cigarette à moins 7°C, on aurait mieux fait d’aller boire une coupe de champagne au “Bar Noir” dans le hall ou au “Bar Blanc” du foyer)

Lang Lang est parti, Bartok et sa rigueur presque mathématique aussi, Lindberg est oublié. Nous sommes prêt à écouter quelque chose de plus divertissant, plus accessible, plus évident: la symphonie N°5 du fantasque Prokofiev, aussi touffue et variée que l’œuvre de son compositeur ! Des passages lyriques, d’autres aux allures de comédie musicale, d’autres encore aux accents “musique de film” (Prokofiev a composé plusieurs fois pour le septième art, Ivan le Terrible  ou  La dame de pique par exemple) et certains passages sont aussi graves que d’autres effrayants ou grandioses, ou encore entrainants…

C’est une longue introduction à la flûte qui entame le premier mouvement: assez envoutant et spiralaire, il se termine par une orchestration puissante (cuivres et percussions), assez abruptement. Le second mouvement répète inlassablement le même thème. Là encore, la comédie musicale ou la musique de film n’est pas loin, on y mêle aussi un zeste d’esprit militaire et la sensation de tourbillon de phrases musicales entrainantes et sautillantes apparait : il s’en faut peu pour que l’air de ce second mouvement trotte dans la tête durant les heures qui suivent son écoute (il y a un peu de Paul Dukas ici). Le troisième mouvement flirte du côté de la musique de film toujours: on se croirait dans un polar ou un thriller haletant par moment, avec montées tragiques  et suspense et, juste après, de grands passages romantiques et lyriques qui achèvent cet adagio dans un long soupir sensible… Le dernier mouvement, assez sombre et introspectif dans sa première moitié, s’enflamme dans un final tourbillonnant, où alternent percussions (qui martèlent imperturbablement un rythme implacable) et flutes dans des contre-temps qui entraînent inexorablement vers une fin très jubilatoire. Un Prokofiev moderne, en cela qu’il propose une musique très imagée et très proche des airs que la musique de cinéma peut proposer aujourd’hui. Une musique variée et cyclique, viscéralement humaine et sensible, abordant chaque sensation et chaque état d’esprit possible…

Alan Gilbert salue, on est ravi de terminer le concert sur une note plus musicale que showbiz spirit. Alan Gilbert nous offrira deux bis dont un Berlioz bien sympathique !

Rick Panegy

Ou George Lucas, le businessman, méprisant ses fans au point de modifier ses propres films de ressorties en ressorties ?

En tout état de cause, le reportage The people Vs George Lucas illustre parfaitement la relation ambivalente qu’entretiennent les fans de la saga avec le réalisateur et son œuvre… dont le premier épisode (ou le quatrième, toujours le fameux débat de celui qui mérite le nom de premier épisode !) ressort sur les écrans en 3D mercredi 8 février 2012. Une première réédition en salle qui appelle cinq autres, chaque année pendant 6 ans, en cas de succès en salle…

En attendant cet événement pour de nombreux geeks (ou simples cinéphiles), saurez-vous replonger dans vos souvenirs et OSER le choix ! Celui d’élire votre épisode favori …

En 2009, la jeune et cultivée Anahita (Alice Belaïdi) se retrouve seule à Paris après avoir fui Téhéran durant les révoltes du peuple iranien. Dès son arrivée, elle fait la rencontre du naïf et danseur hors-pair Gecko (Rachid Youcef). Alors que les deux adolescents se découvrent et s’apprivoisent, la belle Anahita s’accroche aux bribes d’information concernant l’actualité brûlante qui déchire son pays et qu’elle parvient à obtenir via Internet et les réseaux sociaux. Alors que le gouvernement islamique iranien tente d’étouffer les protestations postélectorales, surnommées « Révolution Twitter», le peuple publie de terribles images sur YouTube pour contourner la censure et soulever l’attention du reste du monde. Terrifiée, impuissante, Anahita scrute ces images à la recherche de ses proches. Malgré sa distance et son déchirement, elle va séduire Gecko et lui faire prendre conscience de l’actualité iranienne.

Plus instruite que Gecko, Anahita lui fait découvrir la poésie avec Beaudelaire et Omar Khayyam. Elle représente bien l’image d’un peuple féru depuis toujours d’une culture très diverse (peinture, musique, poésie, philosophie…). Le fameux iranologue américain Richard Nelson Frye disait bien que “la gloire de l’Iran a toujours été sa culture”. Le choix d’un poème du poète et philosophe iranien Omar Khayyam n’est pas anodin. Hédoniste et amateur de vin qui prônait la liberté individuelle, Omar Khayyam n’en était pas moins croyant. Une philosophie de vie qu’on retrouve chez Anahita notamment dans la scène du film où elle accompagne son diner d’un bon vin français sans pour autant renier sa religion. Alors que le port du foulard islamique est obligatoire pour toutes les femmes en Iran (y compris pour les touristes), Anahita retire le sien très vite après son arrivée en France pour devenir une belle jeune femme iranienne libérée des lois en pratique dans son pays d’origine. C’est l’occasion également pour David Dusa de faire le portrait de la jeunesse d’aujourd’hui qui entretient des rapports complètement nouveaux avec la culture. Gecko, qu’on imagine sorti du système scolaire à un âge assez jeune, n’en est pas moins avide de curiosité face à l’instruction. C’est sur Internet, et Wikipedia notamment, qu’il découvre l’histoire de l’Iran. Au grès de sa navigation curieuse et de ses recherches sur le web il apprend et se cultive.

La créativité de réalisation de David Dusa est au rendez-vous pour cette modeste production. C’est surtout sous l’angle du fort rapport des protagonistes à Internet en général et aux réseaux sociaux en particulier, que le film montre toute son inventivité. Il multiplie les supports pour filmer son histoire qu’il entrelace de vraies images YouTube de qualités variées. Le texte des “tweets” des proches d’Anahita, qui vivent les évènements iraniens en direct, s’incrustent à l’image quand elle consulte Twitter. Une double lecture où la frontière entre réel et fiction s’amenuise. Un mélange qui atteint son paroxisme durant l’une des plus grandes trouvailles: cette scène où Anahita parcoure les rues de Paris, son smartphone à la main. Elle regarde sur YouTube des images filmées dans les rues de Téhéran. Le montage alterne sa vision subjective des passants dans Paris à celle des manifestants iraniens. Elle cherche ses proches à l’écran, elle les cherche dans Paris, vivant presque le parcours horrifique du caméraman amateur iranien. Une démarche qui révèle à quel point le personnage qui a fui son pays pour survivre et se protéger est déchiré par la peur, le manque d’information, et surtout la culpabilité de son absence. D’autres images Youtube, montrées plus tard dans le film, atteignent, par moment, une intensité horrifique par leur dureté. Images d’autant plus dures qu’elles sont bien réelles (la version cinéma a d’ailleurs été allégée en images documentaires difficiles). La multiplication de différents effets esthétiques, de cadrage, de type et de qualité de caméra ainsi que de montage (faux faux-raccords, caméras subjectives)  provient clairement d’un désir de brouiller les pistes entre la brutalité du réel et la douceur de la fiction. Fleurs du Mal fait vivre ces images tournées par des amateurs au delà de l’actualité de 2009 et leur donne ici une valeur artistique pour la postérité.

Si les dialogues écrits en français ne sont pas toujours à la hauteur des ambitions du réalisateur et que le sculptural Rachid Youcef est meilleur danseur qu’acteur (un breaker et yamakasi dans la vie), on notera une belle performance du côté Alice Belaïdi (Révélation Féminine aux Molières 2010), complètement crédible dans son rôle de personnage aliéné par sa fuite et ses déchirements. Elle est sans aucun doute une actrice à suivre de près dans les années à venir. Le budget du film Fleurs du Mal est modeste et possède parfois les quelques faiblesses qu’on peut souvent retrouver dans une première réalisation, il n’en est pas moins ambitieux et plein de promesses pour l’avenir. Pour ce film, David Dusa a remporté en 2011 le prix organisé par Variety des 10 réalisateurs à surveiller, on comprend facilement pourquoi.

Philip Pick

Regardez la bande annonce de Fleurs du Mal (2012) de David Dusa

L’introduction du concert par le typique “Nuits dans les jardins d’Espagne” (De Falla) suffit à plonger le spectateur dans une ambiance espagnole que les hommages du compositeur français Ravel ne terniront pas, dépassant, avec la Rhapsodie espagnole, l’Aldorada del gracioso et le Boléro, le cliché et la simple imitation de sonorités ibériques. L’influence de l’Espagne dans l’œuvre de Ravel, qui n’évite toutefois pas toujours les écueils de la parodie, est telle qu’il en résulte un travail à la fois magistralement musical et presque tout autant culturel. Debussy, lui-même fasciné par l’Espagne, ou Bizet, aux identiques passions, accompagnent en esprit cette soirée, l’un comme précurseur de l’influence hispanique (Estampes…) et l’autre comme aboutissement divertissant de cet exotisme musical (Carmen…)

Un première partie en demi-teinte, offrant  un mélange un peu artificiel, aborde le Nuits dans les jardins d’Espagne avec énergie. Barenboim, en pianiste talentueux, joue les parties piano, correctement, en même temps qu’il dirige l’orchestre, assis, entre les notes de sa partition : une main sur les touches, une autre levée, se retournant parfois ou se penchant sur son instrument… De quoi déstabiliser et donner une impression d’usurpation : le talent du pianiste et celui de l’orchestre font oublier le manque de cohésion entre la partie orchestre et la partie piano. Ce côté artificiel, indéniablement, nuit à la qualité de l’œuvre. On assiste finalement davantage à un concerto, ce que l’œuvre n’est pas, proposant au contraire la partition du piano comme totalement intégrante et mêlée  à l’œuvre…

Après l’entracte, le concert est bien plus plaisant. Les trois œuvres de Ravel, aux influences espagnoles marquées, sont tantôt nuancées et sensibles (Pavane pour une infante défunte, une danse lente un peu répétitive et plate mais séduisante et apaisante) tantôt vives et emportées (les deuxième et dernier mouvements de la Rhapsodie espagnole, l’Aldorada del gracioso, faisant la part belle aux percussionnistes, qui manifestent une légitime euphorie pendant la représentation!)

Enfin, le concert se termine par le fameux Boléro, véritable ovni de l’histoire symphonique. Une fois de plus, la preuve est donnée que cette œuvre ne peut être pleinement appréciée qu’en assistant à sa représentation en concert. Ecouter le Boléro chez soi ne permettra jamais d’appréhender pleinement tout le génie mathématique et algorithmique de la composition, ni de savourer dans son absolu démesure le crescendo monumental de plus de 10 minutes… Enfin, quoi de plus délectable que ce Boléro  pour rendre hommage à chacun des instrumentistes, qui interprètent à tour de rôle les deux célèbres phrases musicales et le fameux ostinato.

Barenboim, en intrépide star des salles de concert, fait preuve une nouvelle fois de sa générosité (qu’un peu de mégalomanie toute évidente accompagne) en offrant pas moins de quatre rappels, tout aussi festifs et ensoleillés que le concert lui-même, allant même jusqu’à faire participer le public, à l’instar des concert du Nouvel An au Musikvieren sur la Marche de Radetzky, l’encourageant à scander la pulsation d’un extrait de Toreador du Carmen de Bizet.

Pour une analyse plus technique, téléchargez le programme de la soirée sur la fiche du concert (site de la Salle Pleyel)

Daniel Barenboim reviendra les 18 et 19 avril à la Salle Pleyel avec le Staatskpelle de Berlin (Mozart, Bruckner), à ne pas rater !

Rick Panegy

]]> http://ricketpick.wordpress.com/2012/02/02/musique-concert-le-fillarmonica-della-scala-daniel-barenboim-ravel-et-de-falla-voyage-symphonique-en-iberie/feed/ 0 Argentinian-born conductor Daniel Barenb ricketpick Barenboim2 http://ricketpick.wordpress.com/2012/01/25/theatre-critique-break-your-leg-de-marc-laine-la-chute-symbole-du-pathetique/ http://ricketpick.wordpress.com/2012/01/25/theatre-critique-break-your-leg-de-marc-laine-la-chute-symbole-du-pathetique/#comments Tue, 24 Jan 2012 22:53:01 +0000 Rick et Pick http://ricketpick.wordpress.com/?p=2402 Lire la suite]]> Marc Lainé propose un spectacle glissant sans cesse du rire à la gêne voyeuriste, celle qui nous confronte au pathétique de l’autre, lorsqu’il cumule les impairs au point de fuir le bonheur…  Ici, tout est chute : celle de la gloire, celle de la grâce, celle de l’innocence, celle du rêve, celle de l’espoir… Sur l’écran, après une poétique introduction, Geoffrey Carey (en présentateur “télé”) reprend ces mots de Bergson : “Une chute est une chute, mais autre chose est de tomber parce qu’on visait une étoile” Le décors est planté, le ton est donné : derrière le rire, en filigrane, la gravité. Celle qui accompagne le destin pitoyable de Tonya Harding et de Nancy Kerrigan.

Le  “Break a leg !” (Casse-toi une jambe”) Une interjection en forme d’antiphrase… Dans le monde anglo-saxon on utilise ce vilain souhait pour conjurer le sort: une façon de souhaiter bonne chance à la personne à qui on le crie, un peu comme un “merde” lancé à celui qui commence un spectacle ou un examen…

Ce “Casse-toi une jambe” prend tout son sens ici, et de manière très ironique: en guise de “bonne chance” avant la compétition, les deux patineuses, dont on nous narre ici l’histoire vraie, s’encouragent à coup de batte de base-ball…

Le second degré de la formule disparait donc aussitôt la scène d’ouverture terminée. Le “Break a Leg” devient un souhait absolument primaire, une menace exécutée froidement. Et l’expression se transforme en “Break YOUR leg !”, conférant ainsi à la pièce un ton menaçant, empli d’une agressivité directe, et révélant, par l’utilisation du pronom singulier de la deuxième personne, l’aspect d’un duel franc, qui s’annonce sans détour… Marc Lainé, scénographe et metteur en scène émérite depuis une bonne dizaine d’années, ose la relecture du fait divers. Un fait divers si absurde et si grotesque qu’il en devient presque surréaliste. Le voilà ici traité finalement sous son angle le plus logique: le burlesque. Ce fait divers remonte au milieu des années 90, dans le milieu du patinage artistique. En 1994, les deux patineuses américaines Tonya Harding et Nancy Kerrigan sont au fait de leur gloire et leur rivalité est à son comble. Les jeux olympiques d’hiver approchent et les deux patineuses visent l’or. Les plus jeunes ne se souviendront pas de l’anecdote, mais ceux qui ont pu vivre le moment tragique et les péripéties rocambolesques qui s’ensuivirent gardent en mémoire ce fait divers absurde: Nancy Kerrigan, quelques mois avant le début des Jeux Olympiques, se fait briser la jambe, à coup de batte de Base-Ball, par l’entourage de Tonya Harding… La pièce retrace, parfois avec grâce, souvent avec drôlerie, le parcours des jeunes femmes que tout oppose (l’une est issue du milieu bourgeois, sourire angélique et grâce irradiante ; l’autre est issue d’une famille modeste, mère alcoolique et physique moins avantageux). C’est donc avec humour que Marc Lainé dresse le portrait de ces deux patineuses, et en même temps que ces deux femmes aux profils stéréotypés, le metteur en scène met en lumière une certaine Amérique, celle du patriotisme outrancier, de la recherche constant de l’improuvement, de la performance et celle qui construit ses idoles en empiétant les idéaux.

Un regard drôle mais acide accompagne cette pièce, servie par quatre acteurs énergiques. Jean-François Auguste campe une Tonya Harding désabusée (et son entraineur de mari, manipulateur et violent). En face, Pierre Maillet est absolument hilarant en une Nancy Kerrigan étriquée. Les comédiens interprètent les deux patineuses, longtemps après l’événement tragique: elles sont les protagonistes d’un talk-show, au cours duquel on cherche à trouver les clefs du drame… Peu à peu, l’ambiance légère s’étiole et on plonge dans les affres du souvenir: les mêmes patineuses réapparaissent, sous les traits de Raphaëlle Boitel et d’Odile Grosset-Grange et les deux héroïnes du talk-show, alors stars people, sont confrontées dans un schéma plus intimistes à leur passé, au souvenir douloureux. Le spectateur (re)découvre le pathétique de leurs destinées, frappé du lourd sceau de l’ambition, de l’espoir dévorant d’une nation. Victimes de leur carcan social, les deux tragiques héroïnes connaîtront une navrante ascension vers le drame.

Break your leg!, en véritable allégorie de la chute, a ce regard bienveillant et compatissant qu’un œil aguerri à la nature humaine peut porter à la misère. Misère affective et misère de la dignité…

C’est l’histoire d’une déchéance qui nous apparait tour à tour comme grotesque ou tragique, risible ou bouleversante… Certaines “vérités” nous sont révélées par des êtres qui les portent sans le savoir. Tonya est de ceux-là.

Marc Lainé

Rick Panegy

• Au Théâtre National de Chaillot

Du 20 au 25 janvier 2012

Voir les informations sur le site du Théâtre National de Chaillot

• Au Théâtre de l’Odéon – Nîmes

les 27 et 28 mars 2012

• Au Théâtre Le Phenix – Valenciennes

les 11 et 12 avril 2012

Patty & Walter ont deux enfants Jessica et Joey. Le roman s’ouvre sur  leur vie de famille dans une banlieue américaine des années 2000. Parfaite en apparence aux yeux du voisinage, cette famille, et surtout la mère, Patty, ressemble, à s’y méprendre, aux personnages de la série Desperate Housewives. Mais cette famille nucléaire va exploser. Jonathan Franzen va nous révéler l’envers du décors de cette explosion au travers d’un journal écrit par Patty qui couvre trente années de sa vie. On y découvrira son enfance naïve, son adolescence de jeune basketteuse et son attirance pour le meilleur ami de Walter, le musicien Richard. Rejetée par Richard à l’université, elle choisira de faire sa vie de femme au foyer avec l’intellectuel et discret Walter. Quelques années plus tard, alors que Patty gère de plus en plus difficilement sa relation avec son fils Joey qui se tourne vers des idéaux de plus en plus capitalistes, Richard sera de retour dans la vie des Berglunds. Une occasion pour Patty de succomber à ses fantasmes de jeunesse. L’adultère de Patty avec le musicien la poussera à la dépression, provoquant le lent déraillement de sa vie de couple. De son côté, son mari Walter s’évadera du noyau familial grâce à son combat écologique pour sauver les parulines azurées, une espèce d’oiseau menacée d’extinction…

Au premier abord, le principal reproche que l’on peut faire au roman de Jonathan Franzen est que le mélodrame longuement tissé au travers de Freedom manque cruellement d’originalité, proche d’une intrigue d’un roman de gare. Mais ce qui fait la force non négligeable du roman de Franzen et sans doute ce qui en fait l’un des romans américain important du moment, c’est cette capacité de l’auteur à exploiter avec intelligence, précision et humour, chacun de ses personnages jusqu’au bout. Qu’il s’agisse du triangle amoureux principal, composé des parents et du meilleur ami, ou des enfants, chaque personnage trouve sa place, avec beaucoup de détails, dans l’histoire. Tous se retrouvent étouffés, non seulement par leurs proches et leur quête du bonheur, mais également, de façon plus large, par la société conservatrice américaine en pleine métamorphose depuis les attentats du 11 septembre. Une occasion pour Jonathan Franzen de critiquer le capitalisme républicain en général et le gouvernement Bush en particulier et de faire un sombre et lucide constat sur son propre pays, où l’écologie sincère et l’économie de marché ne font pas bon ménage. Avouons aussi que Franzen couvre avec agilité et précision trente années d’histoire et de préoccupations américaines, sans oublier d’y mêler savemment les évolutions technologiques qu’elle a pu connaitre (l’arrivée d’Internet et des réseaux sociaux). Un contexte étouffant, parfois alarmiste où chacun des protagonistes est en quête d’un bonheur sans compromis et donc impossible, dans un pays qui semble avoir perdu ses propres valeurs. Il semblerait que Jonathan Franzen veuille rappeler à son lecteur américain malheureux que le plus important est d’accepter qui l’on est et de pardonner aux autres ce qu’ils sont. On comprendra aisément qu’avec ce  très long mélodrame avec pour trame secondaire la société américaine, en France, il ne soit pas forcément considéré comme indispensable, mais il apportera, aux lecteurs curieux, de nombreuses réponses sur ce qui ronge les américains d’aujourd’hui.

Philip Pick

Portrait de Jonathan Franzen par Pascal Perich (NYC)